Juan Andereggen | Geometrische Konstruktivismus

Juan Andereggen knüpft an die konstruktivistische Tradition an und führt sie in eine zeitgenössische, sozial und ökologisch verankerte Praxis. Seine geometrischen Arbeiten aus wiederverwendetem Holz verbinden die Klarheit, Struktur und Materialehrlichkeit des historischen Konstruktivismus mit einem heutigen Bewusstsein für Nachhaltigkeit und Gemeinschaft.

Ein zentrales Motiv ist der Fisch, ein Zeichen, das auf seine Kindheit in Santa Fe und die Flüsse der Küstenregion verweist. In präzise geometrische Formen übersetzt, wird der Fisch zu einem ideografischen Symbol für Erinnerung, Herkunft, Bewegung und die tiefe Verbundenheit des Menschen mit der Natur. Eingebettet in geborgenes Holz verwandelt er sich in eine Metapher für Widerstandskraft und Erneuerung: Wie das Material, das Andereggen rettet und neu belebt, durchquert der Fisch Strömungen, überdauert und wandelt sich.

Andereggen steht damit in einer Linie, die vom russischen Konstruktivismus über die lateinamerikanische geometrische Abstraktion bis in die Gegenwart reicht. In Uruguay und Argentinien entwickelten sich aus den Ideen der europäischen Avantgarde eigenständige Bewegungen wie die Konkrete Kunst, Arte Concreto Invención und MADI. Künstler wie Joaquín Torres García prägten eine Bildsprache, die mathematische Präzision mit regionalen Sensibilitäten verband.
Aus diesem kulturellen und historischen Gefüge heraus entsteht Andereggens Werk: eine zeitgenössische, poetische Weiterführung der konstruktivistischen Idee, in der Form, Material und Bedeutung aktiv konstruiert werden, und in der das Sichtbare zu einem Zeichen für Zeit, Herkunft und Erneuerung wird.

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Juan Andereggen | GEOMETRIC CONSTRUCTIVISM

Juan Andereggen’s work carries the legacy of Constructivism into a contemporary, socially grounded practice. Using reclaimed wood, he creates geometric compositions that honor clarity, structure, and material honesty while embracing sustainability. At the center of his visual language is the fish, drawn from his childhood in Santa Fe and the rivers of the coastal region. Reduced to a geometric, ideographic form, it becomes a symbol of memory, movement, origin, and humanity’s bond with nature.

Set into salvaged timber, the fish transforms into a metaphor for resilience and renewal: navigating currents, enduring change, and reemerging in new form. Andereggen’s practice grows from the rich history of Constructivism and its Latin American evolution, where geometric abstraction flourished in Uruguay and Argentina. His work continues this lineage, offering a poetic, contemporary interpretation of a tradition in which form, material, and meaning are actively constructed.

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CRAITR | AI Art ENDLESS VISION

Curated & Presented by VAN LEEUWEN ART

Die KI-Kunstausstellung ENDLESS VISION markiert ein neues Kapitel zeitgenössischer Kreativität, eines, in der menschlichen Vorstellungskraft und maschinelle Intelligenz gemeinsam visuelle Welten, Ideen und Formen hervorbringen, die zuvor undenkbar waren. KI ersetzt die Künstler*innen nicht; sie erweitert den Raum künstlerischer Möglichkeiten. Sie beschleunigt Variation, legt verborgene Strukturen frei und eröffnet Wege des Experimentierens jenseits traditioneller Werkzeuge.
In dieser sich entwickelnden Praxis bleibt der Mensch die schöpferische Instanz. Künstlerische Intention formt das Konzept, lenkt den Prozess und bestimmt die Bedeutung, während der Algorithmus als kollaborativer Partner Unvorhersehbarkeit, Komplexität und neue Dimensionen einführt. KI-Kunst stellt vertraute Vorstellungen von Autorschaft infrage und lädt Besucher*innen dazu ein, neu zu denken, wie Bilder entstehen, wie Kreativität sich verändert und wie Technologie Wahrnehmung beeinflusst.

CRAITR ist eine zeitgenössische KI-Künstler, die den kreativen Dialog zwischen Menschen und KI vorantreibt und die sich wandelnde Beziehung zwischen Bewusstsein, Technologie und künstlerischem Ausdruck erforscht. An der Schnittstelle von menschlicher Intuition und künstlicher Intelligenz entwickelt CRAITR Projekte, die traditionelle Vorstellungen von Autorschaft, Kreativität und die Grenzen zwischen organischem und synthetischem Denken hinterfragen. Die Arbeiten entstehen aus einer tiefen Auseinandersetzung mit unserer vernetzten digitalen Landschaft und führen zu Werken, die sowohl konzeptuell präzise als auch visuell eindrucksvoll sind.
Letztlich geht es bei KI-Kunst nicht darum, dass Maschinen Kunst schaffen, sondern darum, dass Künstler Maschinen nutzen, um anders zu imaginieren.

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The AI Art Exhibition ENDLESS VISION marks a new chapter in contemporary creativity, one in which human imagination and machine intelligence work together to generate visual worlds, ideas, and forms that were once unimaginable. AI does not replace the artist; it expands the horizon of artistic possibility. It accelerates variation, reveals hidden structures, and opens pathways for experimentation beyond traditional tools.
Within this evolving practice, the human remains the creative author. Artistic intention shapes the concept, guides the process, and defines meaning, while the algorithm acts as a collaborator that introduces unpredictability, complexity, and new dimensions. AI art challenges familiar notions of authorship and invites viewers to rethink how images are created, how creativity evolves, and how technology reshapes perception.

CRAITR is a contemporary AI-Artist pioneering the creative dialogue between humans and AI, exploring the shifting relationship between consciousness, technology, and artistic expression. Working at the intersection of human intuition and artificial intelligence, CRAITR develops projects that question traditional ideas of authorship, creativity, and the boundaries between organic and synthetic thought. The works emerge from a deep engagement with our interconnected digital landscape, resulting in pieces that are both conceptually rigorous and visually compelling.
Ultimately, AI art is not about machines creating art, it is about artists using machines to imagine differently.

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Véro Straubhaar

In meinen Arbeiten mit Öl auf Rohleinen verdichte ich die Intensität des Lebens – innere und äussere Erfahrungen, Bewegung und Stille.
Meine Werke stehen für Kraft und inneres Gleichgewicht. Sie laden die Betrachter:innen ein, in eine stille, mystische Bildwelt einzutauchen. Die Malerei entsteht horizontal in mehreren Schichten. Jeder Farbauftrag benötigt Zeit, Geduld und Konzentration. Einmal aufgetragen, lässt sich die Farbe nicht korrigieren – jeder Schritt bleibt Teil des Entstehungsprozesses. Das unbehandelte Rohleinen bleibt als Bildgrund erhalten. Struktur und Farbe werden Teil des Ganzen.
Meist grossformatig, entfalten die Bildkörper eine starke physische Präsenz und eröffnen Raum für Reflexion, Ruhe und eigene Wahrnehmung.

Ich bin 1957 in Winterthur aufgewachsen und habe den Beruf der Dekorationsgestalterin erlernt. Seit über 40 Jahren bin ich Kunstschaffende, mit Ausstellungen in In- und Ausland. Heute lebe und arbeite ich am Zürichsee und im Burgund (F).

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Lucia Munuera

Meine Arbeiten knüpfen an die alte japanische Tradition des Keramikbrennens an – den sogenannten Rakubrand, dessen Ursprung bis ins 16. Jahrhundert zurückreicht. Diese Technik fasziniert mich seit Anfang der 1990er-Jahre so sehr, dass ich bis heute den grössten Teil meiner Objekte auf diese Weise brenne.

Meine Gefässe und Objekte entstehen ausschliesslich im Handaufbau. Der langsame Entstehungsprozess gibt mir die Zeit und den Raum, meine intuitiven Ideen unmittelbar in die Gestaltung einfliessen zu lassen. Die Stücke werden bei rund 1000 Grad Celsius mit Eisenzangen aus dem Ofen gehoben. Mit der Raku-Technik zu arbeiten, ist kein einfacher Weg: Nicht alle Stücke gelingen, manche zerspringen. Jedes Mal gleicht es einem kleinen Wunder, wenn ein Werk die Strapazen des Brennprozesses unversehrt übersteht.
Die besondere Ausstrahlung der Objekte, die im wahrsten Sinne des Wortes durchs Feuer gegangen sind, soll den Betrachter berühren. Sie trägt etwas von der Bedeutung des Namens Raku in sich, der mit «Freude», «Glück» und «Gelassenheit» übersetzt werden kann.
Ich wurde 1964 in Zürich geboren. Nach Sprachaufenthalten in Genf, Florenz, San Diego (Kalifornien) und Mexiko absolvierte ich das kaufmännische Diplom mit Bankfachabschluss. Anschliessend entschied ich mich für den künstlerischen Weg. Heute lebe ich in Richterswil und arbeite in meinem Atelier in Thalwil. Seit dem Jahr 2000 präsentiere ich meine Arbeiten in Galerien und Ausstellungen.

Christa Ruoss-Haller – Bilder:

Wasser ist das zentrale Thema in den Arbeiten von Christa Ruoss-Haller. Es steht für Bewegung, Wandel und den stetigen Fluss des Lebens. Mitten in dieser Dynamik erscheinen Steine als Sinnbild von Ruhe, Stabilität und Beständigkeit – sie erinnern daran, auch im Wandel bei sich selbst zu bleiben.

In vielschichtigen Arbeitsprozessen entstehen plastische Oberflächen, die Schicht für Schicht aufgebaut werden. Unterschiedliche Blautöne verbinden Wasser und Himmel, Tag und Nacht zu einem harmonischen Ganzen. Die abstrakten Kompositionen eröffnen einen Raum für eigene Gedanken und Empfindungen.

Ruedi Vontobel – Holzskulpturen

Aus hellem, fein geschliffenem Holz entstehen reduzierte Skulpturen von klarer Formensprache. Trennen, Spalten und Teilen sind für Ruedi Vontobel nicht nur handwerkliche Arbeitsschritte, sondern Ausdruck persönlicher Lebenserfahrungen. Aus den Einschnitten entstehen neue Verbindungen, Spannungen und Gleichgewichte. Dreiecke und Keilformen verleihen den Skulpturen eine archaische Kraft und reduzieren den Körper auf das Wesentliche.

Zwei unterschiedliche Ausdrucksformen – ein gemeinsames Thema: Auf den ersten Blick könnten die Werke von Christa Ruoss-Haller und Ruedi Vontobel kaum unterschiedlicher sein. Hier die fliessende, vielschichtige Malerei, dort die reduzierte Form der Holzskulptur. Und doch verbindet beide Kunstschaffenden die Suche nach dem Wesentlichen. Bewegung und Ruhe, Veränderung und Beständigkeit, Trennung und Verbindung treten in einen stillen Dialog und eröffnen neue Sichtweisen. Denn eigentlich sprechen beide Künstler über dasselbe. Christa Ruoss-Haller arbeitet mit «dem Fluss des Lebens», Ruedi Vontobel arbeitet mit «den Brüchen des Lebens.»